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È musica del cuore quella che scorre tra le vene melodiche dello Stabat Mater op. 58 di Antonín Dvoràk (1841-1904); che pulsa al ritmo lento di una struggente celebrazione liturgica e sembra non conoscere le leggi del tempo. È musica che nasce da un dolore tutto umano – nel giro di pochi anni al compositore boemo morirono i primi tre figli – chiamato a riflettersi nello strazio soprannaturale della Vergine Madre che assiste alla lenta agonia del proprio Figlio inchiodato sulla croce; scaturita da un sentimento che dalla disperazione terrena di una perdita lacerante si trasfigura in una domanda traboccante di speranza nella misericordia divina. Ed è anche musica che corrisponde perfettamente alla tempra d’interprete di un maestro colto e sensibile come Philippe Herreweghe, che di fronte ai più monumentali capolavori del repertorio sacro esalta le proprie doti di fine investigatore dei righi del pentagramma e delle pieghe dell’animo umano.
Alla guida del Collegium Vocale Gent, della Royal Flemish Philharmonic Orchestra e di un eccellente manipolo di cantanti solisti (formato dal soprano Ilse Eerens, dal contralto Michaela Selinger, dal tenore Maximilian Schmitt e dal basso Florian Boesch), il direttore belga affronta le pagine dello Stabat Mater rivelandone il lato più profondamente drammaturgico (cd pubblicato dall’etichetta Phi e distribuito da Sound and Music): il carattere di una grandiosa messinscena in cui l’introduzione strumentale sembra quasi simboleggiare un’alzata di sipario sulla rappresentazione di una tragedia dai toni intimi e soffusi, che mantiene inalterato il suo dirompente impeto espressivo lungo tutto il suo svolgimento.
«Fac ut ardeat cor meum in amando Christum Deum ut sibi complaceam» (Fa’ che il mio cuore arda di amore per Cristo Dio affinché possa piacergli) intona poi con piglio deciso il basso, e il suo canto si ammanta di una crescente carica di pathos attenuata unicamente dall’intervento del coro, che ne addolcisce la tempra lirica ed eroica. Ed è proprio qui che Herreweghe trova la più perfetta consonanza con l’arte di Dvoràk; con una musica che nasce dal cuore affranto di un padre che piange la scomparsa delle sue creature e approda al cuore dell’umanità che loda la gloria di Dio.

L’ombra lunga di Igor Stravinskij si proietta sulle due opere sacre di Goffredo Petrassi (1904-2003) – il Salmo IX e il Magnificat – che il direttore Gianandrea Noseda ha scelto come nuova tappa dell’omaggio discografico alla musica sinfonica italiana del XX secolo realizzato dal Teatro Regio di Torino in collaborazione con Casa Musicale Ricordi e l’etichetta inglese Chandos (distribuita da Sound and Music); un’influenza che in gioventù, per sua stessa ammissione, ha marchiato a fuoco la forma e la sostanza del pensiero musicale del compositore soprattutto dopo l’incontro folgorante con capolavori quali la Sinfonia di Salmi o l’Oedipus Rex.
Nelle interessanti note di copertina del cd, Enzo Restagno mette a disposizione dell’ascoltatore gli strumenti necessari per ricostruire il percorso artistico e biografico sotteso alla creazione delle due partiture di Petrassi, facendo anche leva su testimonianze dirette raccolte dalla viva voce dell’autore: partendo dalle esperienze fanciullesche tra le fila dei pueri cantores, alle prese con le antiche architetture polifoniche di Josquin Desprez e Palestrina, per arrivare al fascino totalizzante esercitato su di lui dalla modernità musicale espressa proprio dalla chiara influenza stravinskijana che contraddistingue il Salmo IX (1934-36) sin già nel suo particolare organico (formato da coro, orchestra d’archi, ottoni, percussioni e due pianoforti).
Nell’aura tardobarocca/neoclassica e nell’approccio quasi melodrammatico del Magnificat (1939-40) l’autore ha inteso rispondere alla necessità di trovare un «personaggio teatrale» con una storia da raccontare, individuato appunto nella figura della Madonna, a cui conferisce voce il timbro cristallino e il canto agile di un soprano leggero (nella presente registrazione Sabina Cvilak) che si insinua tra le possenti perorazioni corali e orchestrali dei diversi episodi in cui è strutturato il Cantico della Vergine. Alla salda guida delle compagini del Teatro Regio di Torino, Noseda dimostra una perfetta consonanza con la potenza drammaturgica e le oasi di poetica riflessione di queste pagine, ricondotte nell’alveo dell’illustre tradizione musicale e spirituale che ha fatto grande la storia artistica del nostro Paese.

Nei diversi manuali di storia della musica la figura di Johannes Ockeghem (ca. 1420-1497) si può trovare indistintamente approfondita nei capitoli dedicati all’età medievale che in quelli destinati ai grandi autori dell’epoca rinascimentale. A lungo maistre de la chappelle de chant presso la corte reale francese e celebrato in vita dai più autorevoli esponenti del panorama culturale del tempo – Erasmo da Rotterdam su tutti – l’artista fiammingo ha in effetti ricoperto un ruolo chiave nella progressiva affermazione del nuovo stile inaugurato dalla scuola contrappuntistica fiorita tra XV e XVI secolo, all’interno della quale Ockeghem è sempre stato considerato un punto di riferimento imprescindibile per intere generazioni di compositori.
In seguito alla sua morte, la crème del panorama musicale, chiamata idealmente a raccolta dalla celebreDéploration scritta da Guillaume Crétin, fece quasi a gara nel dedicare i brani più ispirati in memoria dell’augusto collega scomparso; seguendo la medesima traccia, Antoine Guerber e l’ensemble Diabolus in musica hanno impaginato il programma del disco Plorer, gemir, crier..., che deve il suo titolo all’omonimo motet-chanson di Pierre de La Rue (1452-1518) che apre questa affascinante raccolta (cd pubblicato da Aeon e distribuito da Sound and Music).
Tra le note della Missa “Sicut rosa spinam” di Jacob Obrecht (ca. 1457-1505) e pagine come In hydraulis di Antoine Busnois (1430-1492) o Ergone conticuit di Johannes Lupus (fl. 1518-1530), ci si ritrova immersi in un clima di raccoglimento e devozione destinato a toccare i suoi massimi vertici nel piccolo capolavoro che rappresenta l’autentico baricentro del cd, Nymphes des bois, un brano a cinque voci (una delle quali intona il testo del Requiem) scritto da Josquin Desprez (ca. 1450-1521) come omaggio al compianto maestro: «Ninfe dei boschi, dee delle fonti, valorosi cantori d’ogni nazione, cambiate le vostre voci alte e chiare in grida laceranti e lamentele, poi che le molestie d’Atropo intrappolano con rigore il vostro Ockeghem, vero tesoro di musica e arte…». Un perfetto compendio di armonie celestiali, intrecciate tra loro con un occhio rivolto al passato e l’altro spalancato verso il radioso futuro della “nuova” polifonia.

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